SOBRE EL AMERICAN BALLET THEATRE
Seis décadas de historia
La danza norteamericana es reconocida mundialmente por haber iniciado el movimiento modernista en contraposición a la danza académica.
Este hecho no impidió que el ballet clásico lograra instituirse en Estados Unidos al punto de generar un espacio profesional de gran calidad artística. El American Ballet Theatre es uno de los ejemplos más significativos al respecto.
Los antecedentes
Las visitas de compañías rusas de ballet a Norteamérica en las primeras décadas del siglo XX ayudaron a popularizar la danza clásica entre el público estadounidense.
Las presentaciones de Anna Pávlova o las constantes giras del Ballet de Sergei Diaghilev enriquecieron la escena y su presencia motivó finalmente la creación de las primeras escuelas de ballet.
En 1937, Mijaíl Mordkin —ex pareja de Pavlova— abre en Nueva York una escuela de danza clásica que con el tiempo se convertiría en una compañía profesional financiada por Lucia Chase, bailarina principal del grupo e hija de una importante familia de banqueros.
En 1940, Chase se une con el ex administrador de la compañía de Mordkin, Richard Pleasant, con la intención de echar a andar una nueva agrupación: el Ballet Theatre.
El propósito era forjar un ballet norteamericano, con bailarines y coreógrafos de renombre, con la particularidad de reunir en escena obras rusas y británicas.
Los primeros años
El Ballet Theatre debutó el
En su primera temporada contó con 11 coreógrafos y programó 21 piezas, seis de las cuales fueron estrenos mundiales y cinco estrenos en Estados Unidos.
Destacó la participación histórica de Mijaíl Fokin, quien repuso “Las Sílfides” y “Carnaval”.
A lo largo de los años 40, la compañía comenzó a dar temporadas en el Metropolitan Opera House, lugar que le sirve de residencia en la actualidad.
Conforme avanzó la década, logró diferenciarse de otros conjuntos internacionales y estableció un perfil propio al integrar en su repertorio creaciones de coreógrafos ingleses, norteamericanos y rusos, como Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, George Balanchine, Leonide Massine y Bronislava Nijinska, muchos de los cuales realizaron piezas originales para la agrupación.
En ese mismo período participaron como intérpretes Nora Kaye, Hugh Laing y la cubana Alicia Alonso.
Itinerancia y consolidación
Durante los años 50, la compañía desarrolló nuevas producciones y para llevarlas a cabo invitó a los primeros coreógrafos franceses que habrían de colaborar con el ABT: Roland Petit y Jean Babilée.
En 1955, el conjunto visitó Chile por primera vez.
Al año siguiente pasó a llamarse oficialmente American Ballet Theatre, una medida producto de las circunstancias luego que en las giras se hizo necesario especificar la nacionalidad de la compañía. La denominación se conserva hasta hoy.
Durante los 60 y en plena Guerra Fría, la agrupación llegó a presentarse en la ex Unión Soviética en lo que fuera una gira pionera de una compañía estadounidense en esa zona.
Las siguientes décadas fueron años de consagración internacional, dado que el cuerpo artístico reclutaba a los mejores artistas de entonces, como Mijail Baryshnikov, Eric Bruhn, Carla Fracci, Cynthia Gregory, Gelsey Kirkland, Natalia Makarova, Martine Van Hamel y Rudolf Nureyev.
Diversificación de repertorio
A partir de los años 70, el repertorio del American Ballet Theatre comenzó a hacerse aún más diverso con la incorporación de piezas de coreógrafos provenientes de la danza moderna.
Esta etapa se caracterizó por la presentación de obras de Alvin Ailey, José Limón y Martha Graham.
Posteriormente se agregaría una línea más vanguardista montando algunos títulos de Paul Taylor, Merce Cunningham y contando además con la colaboración de Twyla Tharp.
En los años 80, Mijail Baryshnikov asumió la dirección y se mantuvo en el cargo a lo largo de una década.
En ese período enriqueció el repertorio con trabajos de creadores contemporáneos, sin dejar de lado los grandes clásicos, como el remontaje de “La Bayadera”, varios títulos neoclásicos de Balanchine y algunas obras de Kenneth MacMillan, como “Romeo y Julieta”, “Anastasia” y “Manon”.
Tradición e innovación
En los últimos diez años, la compañía es reconocida por la realización de grandes producciones de ballets narrativos, los que se caracterizan por su espectacularidad e innovadora puesta en escena.
Entre ellos se cuentan “Otelo”, de Lar Lubovitch; “La doncella de nieve” y “Cenicienta”, de Ben Stevenson; y “La fierecilla domada”, de John Cranko, entre otras.
En la actualidad, el American Ballet es reconocido en el mundo entero por su rica variedad de títulos que conjugan tradición e innovación. Los coreógrafos han enriquecido el repertorio desafiando además la versatilidad de los intérpretes.
Bailarines latinoamericanos
En seis décadas de gestión, el ABT ha integrado una importante planta de bailarines latinoamericanos, desde Alicia Alonso hasta personalidades como Julio Bocca, Paloma Herrera y la cubana ex bailarina del Ballet de Santiago, Berthica Prieto.
La escena chilena del ballet tiene además un vínculo particular con la agrupación, ya que dos ex directores del Ballet de Santiago —Ivan Nagy y Ricardo Bustamante— provienen de esta agrupación.
SOBRE BERTHICA PRIETO
Destacada bailarina y coreógrafa internacional.
Nació en Cuba. A muy corta edad se radicó en Puerto Rico donde vivió con su familia.
Posteriormente residió en Estados Unidos. Allí inició su formación en el ballet.
En 1975 se incorporó como intérprete al cuerpo de baile del American Ballet Theatre de Nueva York, donde llegó a asumir roles principales y de solista.
En la compañía compartió escena con primeras figuras, como Rudolf Nureyev, Mijail Baryshnikov, Carla Fracci, Natalia Makarova e Ivan Nagy, con quien más tarde trabajaría en Santiago.
Fueron destacadas sus participaciones en producciones de “El Lago de los Cisnes”, “Giselle”, “Don Quijote” y “Cascanueces”, entre otras.
En 1979 comenzó la labor como coreógrafa montando “Las Sílfides” para el Ballet Concierto de Puerto Rico.
En 1980 se estableció en Chile y se integró al Ballet de Santiago.
Más tarde incursionó en la danza contemporánea independiente como integrantes de
[1] Contenidos desarrollados por Centro de Investigación y Memoria Artes Escénicas (CIM. Ae), que integran María José Cifuentes, Constanza Cordovez y Simón Pérez. Edición: Javier Ibacache.
sitores/invitados: Berthica Prieto.
SOBRE
La danza es y transcurre en un espacio-tiempo. Está íntimamente ligada con el espacio en que sucede en la medida que éste condiciona al cuerpo en movimiento. A la vez, la danza interviene en el espacio en que transcurre.
A diferencia de lo que sucede en los espacios convencionales (como teatros y salas) que están dispuestos para ser moldeados e intervenidos por una escenografía que lo transforme, la ciudad no es un espacio neutro, ni quieto. Es un espacio vivo, habitado y/o transitado por innumerables personas que escriben una caligrafía de trayectos tan efímeros como la danza.
La ciudad tampoco es un espacio plástico amoldable como una escenografía, sino más bien es un entorno que se presta para la intervención (como lo hacen las artes plásticas en las versiones más urbanas del land art), donde el artista puede interactuar con un marco ya dado.
Es la ciudad la que determina las proyecciones en el espacio donde el cuerpo interviene.
La danza sucede en el espacio público e interactúa con la contingencia de ese espacio.
ALGUNAS EXPERIENCIAS EN CHILE
A lo largo de la historia de la danza en Chile, se han incorporado diferentes prácticas de intervención de danza en espacios públicos. Algunas han tenido fines extra artísticos y se han enfocado en lo político o lo educativo. Otras han sido propuestas que han subrayado la ocupación de determinados espacios de la ciudad únicamente con la danza.
Con posterioridad al año 2000 destacan la serie de intervenciones denominadas “Movimientos Subterráneos”, de Lorena Hurtado, y el Festival Danzalborde, organizado por Rocío Rivera e Iván Sánchez en la ciudad de Valparaíso que próximamente realizará su séptima versión.
SOBRE “MOVIMIENTOS SUBTERRANEOS”
El proyecto “Movimientos Subterráneos” fue desarrollado por la coreógrafa Lorena Hurtado durante el año 2001 con aportes de Fondart.
Contempló ocho “intervenciones” de danza contemporánea y de otras disciplinas en estaciones del Metro de Santiago.
Bailarines y actores de diversas fisonomías y contexturas componían cuadros vivos dentro del espacio de recorrido del transporte público. Llevando tutús y bototos practicaban en una barra de ballet en
Cada una de las intervenciones tenía por objetivo interrumpir el tránsito, sorprender al público-transeúnte y establecer algún grado de comunicación con él.
En la revista Impulsos de 2001, Lorena Hurtado resalta que la compañía constató que el metro podía ser un entorno para dar opinión y abordar cuestiones cotidianas.
“Era necesario vincular a la gente a través de la simpleza del movimiento y de las propuestas para que se sintieran de alguna manera identificadas y lográramos comunicarnos”, comenta en la publicación. “Uno colabora para que la gente se sienta ignorante y el arte de alguna manera debería jugar un rol democratizador”.
SOBRE EL FESTIVAL DANZALBORDE
Rocío Rivera e Iván Sánchez se reunieron hace siete años en torno a la idea de crear una instancia que permitiera acercar la danza a la gente llevándola a la calle.
Bajo esa premisa surgió el Festival Danzalborde en Valparaíso, que en la actualidad pertenece a la “Red Internacional de Festivales de Danza en Paisajes Urbanos: Ciudades Que Danzan” (CQD).
La séptima versión se realizará a partir del lunes 13 de octubre y se extenderá hasta el domingo 19. Abordará la creación coreográfica contemporánea en formatos de video-danza, intervención urbana y obras en sala.
Programará solos y creaciones grupales de México, España, Alemania, Colombia, Uruguay y Argentina. Se presentarán en espacios cerrados (Teatro Mauri, Teatro Municipal de Viña del Mar y Teatro Municipal de Valparaíso), además de intervenciones en los circuitos de los cerros Bellavista y Concepción los días sábado 18 y domingo 19.
En opinión de los organizadores, el alto número de espectadores que la muestra ha convocado durante siete años ha logrado que la danza entre en diálogo con la ciudad y sus habitantes derribando barreras y desmitificando el vínculo que suele establecerse entre la disciplinas con determinados círculos o elites.
A la vez, han demostrado cómo el espacio público puede convertirse en un anfiteatro para la creación escénica.
SOBRE CIUDADES QUE DANZAN (CQD)
“Ciudades Que Danzan” (CQD) es una red internacional de veintiún festivales europeos y latinoamericanos que realizan una programación en paisajes urbanos.
Estas muestras propician el encuentro y el diálogo entre arquitectura y danza, calificadas por la organización como “la más inmortal y la más efímera de las artes”.
Los festivales que integran la red comparten como objetivo que el público pueda acercarse a la danza y, a la vez, redescubra la ciudad, su patrimonio artístico y cultural, dado que en ese contexto los edificios, parques, calles y plazas cobran vida.
Los gestores de las muestras resaltan también la importancia de acercar en particular el lenguaje de la danza contemporánea a todas las audiencias, profundizar en el trabajo coreográfico y generar debate y reflexión sobre el espacio urbano.
La red la integran festivales que se realizan en ciudades de distintas geografías orientados a la difusión artística de culturas diversas para fomentar el multiculturalismo y el mestizaje artístico.
Las líneas de acción que sigue la red se sintetizan en cuatro puntos:
- Crear una plataforma de intercambio y colaboración entre los organizadores de cada festival.
- Motivar la innovación coreográfica en producciones conjuntas entre bailarines de diferentes nacionalidades en un lugar concreto de una ciudad.
- Realizar gestiones conjuntas que le den proyección y sustento a la red de festivales.
- Mantener muestras fotográficas en gira por los festivales, difundir reportajes y documentales que transmitan al público las experiencias de otros países.
Esto significa que CQD es una instancia para integrar la expresión y la identidad y una nueva forma de vivir la ciudad.
FUNDAMENTOS DE CIUDADES QUE DANZAN
- Concientizar sobre la utilización del espacio público como un lugar común de creatividad, convivencia, imaginación y laboratorio artístico.
- Acercar la danza a la comunidad y facilitar la comprensión del lenguaje contemporáneo con propuestas originales.
- Fomentar un público para la danza. Divulgar la danza entre el gran público estimulando a los coreógrafos a trabajar en espacios públicos y en contacto directo con la ciudadanía.
- Trabajar el espacio público como soporte para una forma de expresión contemporánea. El interés de la relación entre las artes y lo urbano y lo social. Una alternativa al espacio-teatro-caja negra.
- Dar la posibilidad al espectador y al creador de establecer otras formas de comunicación artística. Una experiencia enriquecedora y una visión diferente que amplía las relaciones entre unos y otros.
- Reafirmar el valor del patrimonio artístico y cultural propio de la ciudad. A través de la danza, el paseante aprende a mirar una plaza, una calle, un rincón de una forma distinta, y va redescubriendo el lugar.
SOBRE EL PASEANTE EN
“La calle se convierte en habitación para el flaneur (paseante), que se siente en casa entre los frentes de los grandes edificios así como el burgués entre las cuatro paredes de su casa. Los brillosos letreros en hierro esmaltado de los negocios son para él adornos de pared tan buenos o mejores que las pinturas al óleo en la sala del burgués; los muros son los pupitres sobre los que se apoya su libreta de apuntes; los kioscos de periódicos son sus bibliotecas y las terrazas de los cafés son balcones desde los que él, después de la jornada de trabajo, mira con desdén a su vida doméstica”.
Walter Benjamín, “Das Paris des Second Empire bei Baudelaire” en Charles Baudelaire,, Frankfurt a. M. 1969, p. 37.
[1] Contenidos desarrollados por Centro de Investigación y Memoria Artes Escénicas (CIM. Ae), que integran María José Cifuentes, Constanza Cordovez y Simón Pérez. Edición: Javier Ibacache.
SOBRE EL BALLET DE SANTIAGO
EL Ballet de Santiago se forma en 1959 bajo el nombre de Ballet de Arte Moderno (BAM).
Sus inicios se vinculan con las ideas y motivaciones de Octavio Cintolesi Castro,Serge Lifar derivadas del Ballet Neoclásico.
A fines de esa década, Cintolesi fue invitado por el Teatro Municipal de Santiago para constituir un cuerpo de bailarines que acompañara las temporadas de ópera de la orquesta.
Con ese propósito convocó a un grupo de jóvenes a quienes entrenó en la técnica académica y armó el primer conjunto nacional clásico del país con éxito reconocido, lo que llevo a esta agrupación a convertirse en cuerpo permanente del teatro hasta nuestros días.
El desarrollo artístico del Ballet de Santiago se ha traducido en una prolífica producción de clásicos universales de la disciplina, que ha ido acompañada del arribo de intérpretes, coreógrafos y creadores de Europa, Norteamérica, Sudamérica y otras geografías, como Margot Fonteyn, Michael Somes, Tamara Toumanova, Serge Lifar, Natalia Makarova, Julie Kent, Fernando Bujones, Valentina y Leonid Kozlov, Alexander Godunov, Marianna Tcherkassky, Eva Evdokimova, Richard Cragun, Tamas Detrich, Maximiliano Guerra, Agnes Oaks, Thomas Edur, Paloma Herrera, Carlos Acosta, José Manuel Carreño, Julio Bocca, Nina Ananiashvili, y Svetlana Zakharova, entre otros.
Uno de los hechos decisivos en la historia de la compañía está fechado en 1982, cuando Ivan Nagy asume la dirección. A él se le atribuye un significativo mejoramiento del nivel técnico de los intérpretes que fue en paralelo a la incoporación de nuevos bailarines, especialmente sudamericanos.
Nagy invitó además a maestros internacionales a impartir clases y amplió el repertorio con la puesta en escena de piezas de John Cranko, Ben Stevenson, Ronald Hynd, Kenneth MacMillan, George Balanchine, Luc de Layress, André Prokovsky, David Parsons, Robert North, Trey McIntyre, Glen Tetley y Jerome Robbins.
En la actualidad, la dirección se encuentra a cargo de la bailarina y coreógrafa brasileña Marcia Haydée, una reconocida intérprete que desde 2004 por segunda vez encabeza la compañía (lo había hecho antes entre 1993 y 1996).
Bajo su gestión, la agrupación se ha abocado a reponer clásicos y estrenar piezas contemporáneas.
SOBRE MARCIA HAYDÉE
Nació en la ciudad de Niteroi, Brasil. A los quince años ingresó al Royal Ballet School de Londres y posteriormente integró el Gran Ballet del Marqués de Cuevas, en Paris.
Allí conoció al coreógrafo inglés John Cranko, con quien estableció un decisivo vínculo de creador e intérprete.
Cranko creó para ella importantes roles femeninos, como Julieta, Carmen y La Fierecilla Domada. La ejecución de estas piezas la convirtió pronto en la Primera Bailarina del Ballet de Stuttgart, Alemania, y por extensión, en una figura reconocida a nivel internacional, aclamada en Europa, Norteamérica y Sudamérica.
Al fallecer Cranko, Haydée se convirtió en su heredera artística y asumió la dirección de la compañía de Stuttgart por diez años, entre 1976 y 1996.
Su relación con Chile data de la invitación que le extendiera Ivan Nagy para trabajar con el Ballet de Santiago, lo que se tradujo en que oficiara como directora entre 1993 y 1996, en paralelo a su trabajo con la agrupación alemana.
Los logros de su gestión han sido principalmente el reconocimiento del Ballet de Santiago en el exterior y el hecho de ser una de las compañías que remonta más obras de Cranko fuera de Stuttgart.
A partir de 2004, se encarga de montar títulos como “Pájaro de Fuego”, "La Cenicienta" "La Bella Durmiente", "Cuerpos Pintados y los Pájaros de Neruda" y "Madre Teresa y los niños del Mundo", de Maurice Bejart (quien también la dirigió).
Dentro de las distinciones que ha recibido se cuentan la Orden al Mérito Cultural, entregada por el gobierno brasileño.
SOBRE “CARMEN”, DE MARCIA HAYDÉE
Carmen es una historia de amor teñida por la tragedia que pertenece a la literatura romántica de siglo XIX. La novela es de autoría de Prosper Merimée y se publicó en 1846, aunque la celebridad la alcanzó gracias a la versión en ópera de Georges Bizet que data de 1875.
La trama tiene por protagonista a una apasionada gitana que se enamora de Don José, con quien mantiene una serie de encuentros y desencuentros pese a estar comprometido.
Luego de una primera ruptura, Carmen se involucra con un torero, pero los intensos sentimientos que ella despierta en Don José llevan a éste a apuñalarla mientras se desarrolla una corrida de toros.
El argumento también ha sido recogido en el ballet.
El primer antecedente corresponde a una pieza de Marius Petipa que quedó en el olvido y de la que existen escasas referencias.
En octubre de 1897 se estrenó en Londres una versión de A. Bertrand, con música de George Jacobi, a la que siguió en 1903 la pieza de Lucía Cormani.
En 1949, Roland Petit recupera la historia junto a Les Ballets de París.
Con posterioridad, surgen varias adaptaciones. Entre ellas, las de John Cranko, Mats Ek y John Neumeier.
A ello se añade la producción cinematográfica realizada por Antonio Gades y Carlos Saura.
Marcia Haydée interpretó el rol en la versión de Cranko y en 2004 creó una nueva propuesta escénica junto al Ballet de Santiago, donde Marcela Goicochea y Luis Ortigoza asumieron los roles centrales,[1] junto a un numeroso cuerpo de baile.
Su montaje divide la historia en dos actos y seis escenas usando la partitura de la ópera de Bizet, además de extractos de “Pescadores de perlas”. También incorpora escenas tomadas de la película de Vicente Aranda.
El vestuario y la escenografía fueron desarrollados por Pablo Núñez, quien trabajó con la idea de una plaza de toros y empleó colores expresivos inspirado en la tauromaquia.
La adaptación muestra al personaje como una gitana que burla las leyes de la ley y las del amor, como señalara Haydée en su momento: “Es una mujer muy calculadora, que de verdad no ama a nadie. Sólo a sí misma. Es una gitana salvaje que sabe que tiene un poder enorme sobre los hombres y, como buena gitana, también sabe que va a morir pronto. Es una mujer muy activa y fuerte que manipula todo. Es un animal salvaje”.
CARTELERA
“Carmen” ofrecerá funciones en el Teatro Municipal a las
Existe un convenio con
