sitores/invitados: Berthica Prieto.
SOBRE
La danza es y transcurre en un espacio-tiempo. Está íntimamente ligada con el espacio en que sucede en la medida que éste condiciona al cuerpo en movimiento. A la vez, la danza interviene en el espacio en que transcurre.
A diferencia de lo que sucede en los espacios convencionales (como teatros y salas) que están dispuestos para ser moldeados e intervenidos por una escenografía que lo transforme, la ciudad no es un espacio neutro, ni quieto. Es un espacio vivo, habitado y/o transitado por innumerables personas que escriben una caligrafía de trayectos tan efímeros como la danza.
La ciudad tampoco es un espacio plástico amoldable como una escenografía, sino más bien es un entorno que se presta para la intervención (como lo hacen las artes plásticas en las versiones más urbanas del land art), donde el artista puede interactuar con un marco ya dado.
Es la ciudad la que determina las proyecciones en el espacio donde el cuerpo interviene.
La danza sucede en el espacio público e interactúa con la contingencia de ese espacio.
ALGUNAS EXPERIENCIAS EN CHILE
A lo largo de la historia de la danza en Chile, se han incorporado diferentes prácticas de intervención de danza en espacios públicos. Algunas han tenido fines extra artísticos y se han enfocado en lo político o lo educativo. Otras han sido propuestas que han subrayado la ocupación de determinados espacios de la ciudad únicamente con la danza.
Con posterioridad al año 2000 destacan la serie de intervenciones denominadas “Movimientos Subterráneos”, de Lorena Hurtado, y el Festival Danzalborde, organizado por Rocío Rivera e Iván Sánchez en la ciudad de Valparaíso que próximamente realizará su séptima versión.
SOBRE “MOVIMIENTOS SUBTERRANEOS”
El proyecto “Movimientos Subterráneos” fue desarrollado por la coreógrafa Lorena Hurtado durante el año 2001 con aportes de Fondart.
Contempló ocho “intervenciones” de danza contemporánea y de otras disciplinas en estaciones del Metro de Santiago.
Bailarines y actores de diversas fisonomías y contexturas componían cuadros vivos dentro del espacio de recorrido del transporte público. Llevando tutús y bototos practicaban en una barra de ballet en
Cada una de las intervenciones tenía por objetivo interrumpir el tránsito, sorprender al público-transeúnte y establecer algún grado de comunicación con él.
En la revista Impulsos de 2001, Lorena Hurtado resalta que la compañía constató que el metro podía ser un entorno para dar opinión y abordar cuestiones cotidianas.
“Era necesario vincular a la gente a través de la simpleza del movimiento y de las propuestas para que se sintieran de alguna manera identificadas y lográramos comunicarnos”, comenta en la publicación. “Uno colabora para que la gente se sienta ignorante y el arte de alguna manera debería jugar un rol democratizador”.
SOBRE EL FESTIVAL DANZALBORDE
Rocío Rivera e Iván Sánchez se reunieron hace siete años en torno a la idea de crear una instancia que permitiera acercar la danza a la gente llevándola a la calle.
Bajo esa premisa surgió el Festival Danzalborde en Valparaíso, que en la actualidad pertenece a la “Red Internacional de Festivales de Danza en Paisajes Urbanos: Ciudades Que Danzan” (CQD).
La séptima versión se realizará a partir del lunes 13 de octubre y se extenderá hasta el domingo 19. Abordará la creación coreográfica contemporánea en formatos de video-danza, intervención urbana y obras en sala.
Programará solos y creaciones grupales de México, España, Alemania, Colombia, Uruguay y Argentina. Se presentarán en espacios cerrados (Teatro Mauri, Teatro Municipal de Viña del Mar y Teatro Municipal de Valparaíso), además de intervenciones en los circuitos de los cerros Bellavista y Concepción los días sábado 18 y domingo 19.
En opinión de los organizadores, el alto número de espectadores que la muestra ha convocado durante siete años ha logrado que la danza entre en diálogo con la ciudad y sus habitantes derribando barreras y desmitificando el vínculo que suele establecerse entre la disciplinas con determinados círculos o elites.
A la vez, han demostrado cómo el espacio público puede convertirse en un anfiteatro para la creación escénica.
SOBRE CIUDADES QUE DANZAN (CQD)
“Ciudades Que Danzan” (CQD) es una red internacional de veintiún festivales europeos y latinoamericanos que realizan una programación en paisajes urbanos.
Estas muestras propician el encuentro y el diálogo entre arquitectura y danza, calificadas por la organización como “la más inmortal y la más efímera de las artes”.
Los festivales que integran la red comparten como objetivo que el público pueda acercarse a la danza y, a la vez, redescubra la ciudad, su patrimonio artístico y cultural, dado que en ese contexto los edificios, parques, calles y plazas cobran vida.
Los gestores de las muestras resaltan también la importancia de acercar en particular el lenguaje de la danza contemporánea a todas las audiencias, profundizar en el trabajo coreográfico y generar debate y reflexión sobre el espacio urbano.
La red la integran festivales que se realizan en ciudades de distintas geografías orientados a la difusión artística de culturas diversas para fomentar el multiculturalismo y el mestizaje artístico.
Las líneas de acción que sigue la red se sintetizan en cuatro puntos:
- Crear una plataforma de intercambio y colaboración entre los organizadores de cada festival.
- Motivar la innovación coreográfica en producciones conjuntas entre bailarines de diferentes nacionalidades en un lugar concreto de una ciudad.
- Realizar gestiones conjuntas que le den proyección y sustento a la red de festivales.
- Mantener muestras fotográficas en gira por los festivales, difundir reportajes y documentales que transmitan al público las experiencias de otros países.
Esto significa que CQD es una instancia para integrar la expresión y la identidad y una nueva forma de vivir la ciudad.
FUNDAMENTOS DE CIUDADES QUE DANZAN
- Concientizar sobre la utilización del espacio público como un lugar común de creatividad, convivencia, imaginación y laboratorio artístico.
- Acercar la danza a la comunidad y facilitar la comprensión del lenguaje contemporáneo con propuestas originales.
- Fomentar un público para la danza. Divulgar la danza entre el gran público estimulando a los coreógrafos a trabajar en espacios públicos y en contacto directo con la ciudadanía.
- Trabajar el espacio público como soporte para una forma de expresión contemporánea. El interés de la relación entre las artes y lo urbano y lo social. Una alternativa al espacio-teatro-caja negra.
- Dar la posibilidad al espectador y al creador de establecer otras formas de comunicación artística. Una experiencia enriquecedora y una visión diferente que amplía las relaciones entre unos y otros.
- Reafirmar el valor del patrimonio artístico y cultural propio de la ciudad. A través de la danza, el paseante aprende a mirar una plaza, una calle, un rincón de una forma distinta, y va redescubriendo el lugar.
SOBRE EL PASEANTE EN
“La calle se convierte en habitación para el flaneur (paseante), que se siente en casa entre los frentes de los grandes edificios así como el burgués entre las cuatro paredes de su casa. Los brillosos letreros en hierro esmaltado de los negocios son para él adornos de pared tan buenos o mejores que las pinturas al óleo en la sala del burgués; los muros son los pupitres sobre los que se apoya su libreta de apuntes; los kioscos de periódicos son sus bibliotecas y las terrazas de los cafés son balcones desde los que él, después de la jornada de trabajo, mira con desdén a su vida doméstica”.
Walter Benjamín, “Das Paris des Second Empire bei Baudelaire” en Charles Baudelaire,, Frankfurt a. M. 1969, p. 37.
[1] Contenidos desarrollados por Centro de Investigación y Memoria Artes Escénicas (CIM. Ae), que integran María José Cifuentes, Constanza Cordovez y Simón Pérez. Edición: Javier Ibacache.
SOBRE EL BALLET DE SANTIAGO
EL Ballet de Santiago se forma en 1959 bajo el nombre de Ballet de Arte Moderno (BAM).
Sus inicios se vinculan con las ideas y motivaciones de Octavio Cintolesi Castro,Serge Lifar derivadas del Ballet Neoclásico.
A fines de esa década, Cintolesi fue invitado por el Teatro Municipal de Santiago para constituir un cuerpo de bailarines que acompañara las temporadas de ópera de la orquesta.
Con ese propósito convocó a un grupo de jóvenes a quienes entrenó en la técnica académica y armó el primer conjunto nacional clásico del país con éxito reconocido, lo que llevo a esta agrupación a convertirse en cuerpo permanente del teatro hasta nuestros días.
El desarrollo artístico del Ballet de Santiago se ha traducido en una prolífica producción de clásicos universales de la disciplina, que ha ido acompañada del arribo de intérpretes, coreógrafos y creadores de Europa, Norteamérica, Sudamérica y otras geografías, como Margot Fonteyn, Michael Somes, Tamara Toumanova, Serge Lifar, Natalia Makarova, Julie Kent, Fernando Bujones, Valentina y Leonid Kozlov, Alexander Godunov, Marianna Tcherkassky, Eva Evdokimova, Richard Cragun, Tamas Detrich, Maximiliano Guerra, Agnes Oaks, Thomas Edur, Paloma Herrera, Carlos Acosta, José Manuel Carreño, Julio Bocca, Nina Ananiashvili, y Svetlana Zakharova, entre otros.
Uno de los hechos decisivos en la historia de la compañía está fechado en 1982, cuando Ivan Nagy asume la dirección. A él se le atribuye un significativo mejoramiento del nivel técnico de los intérpretes que fue en paralelo a la incoporación de nuevos bailarines, especialmente sudamericanos.
Nagy invitó además a maestros internacionales a impartir clases y amplió el repertorio con la puesta en escena de piezas de John Cranko, Ben Stevenson, Ronald Hynd, Kenneth MacMillan, George Balanchine, Luc de Layress, André Prokovsky, David Parsons, Robert North, Trey McIntyre, Glen Tetley y Jerome Robbins.
En la actualidad, la dirección se encuentra a cargo de la bailarina y coreógrafa brasileña Marcia Haydée, una reconocida intérprete que desde 2004 por segunda vez encabeza la compañía (lo había hecho antes entre 1993 y 1996).
Bajo su gestión, la agrupación se ha abocado a reponer clásicos y estrenar piezas contemporáneas.
SOBRE MARCIA HAYDÉE
Nació en la ciudad de Niteroi, Brasil. A los quince años ingresó al Royal Ballet School de Londres y posteriormente integró el Gran Ballet del Marqués de Cuevas, en Paris.
Allí conoció al coreógrafo inglés John Cranko, con quien estableció un decisivo vínculo de creador e intérprete.
Cranko creó para ella importantes roles femeninos, como Julieta, Carmen y La Fierecilla Domada. La ejecución de estas piezas la convirtió pronto en la Primera Bailarina del Ballet de Stuttgart, Alemania, y por extensión, en una figura reconocida a nivel internacional, aclamada en Europa, Norteamérica y Sudamérica.
Al fallecer Cranko, Haydée se convirtió en su heredera artística y asumió la dirección de la compañía de Stuttgart por diez años, entre 1976 y 1996.
Su relación con Chile data de la invitación que le extendiera Ivan Nagy para trabajar con el Ballet de Santiago, lo que se tradujo en que oficiara como directora entre 1993 y 1996, en paralelo a su trabajo con la agrupación alemana.
Los logros de su gestión han sido principalmente el reconocimiento del Ballet de Santiago en el exterior y el hecho de ser una de las compañías que remonta más obras de Cranko fuera de Stuttgart.
A partir de 2004, se encarga de montar títulos como “Pájaro de Fuego”, "La Cenicienta" "La Bella Durmiente", "Cuerpos Pintados y los Pájaros de Neruda" y "Madre Teresa y los niños del Mundo", de Maurice Bejart (quien también la dirigió).
Dentro de las distinciones que ha recibido se cuentan la Orden al Mérito Cultural, entregada por el gobierno brasileño.
SOBRE “CARMEN”, DE MARCIA HAYDÉE
Carmen es una historia de amor teñida por la tragedia que pertenece a la literatura romántica de siglo XIX. La novela es de autoría de Prosper Merimée y se publicó en 1846, aunque la celebridad la alcanzó gracias a la versión en ópera de Georges Bizet que data de 1875.
La trama tiene por protagonista a una apasionada gitana que se enamora de Don José, con quien mantiene una serie de encuentros y desencuentros pese a estar comprometido.
Luego de una primera ruptura, Carmen se involucra con un torero, pero los intensos sentimientos que ella despierta en Don José llevan a éste a apuñalarla mientras se desarrolla una corrida de toros.
El argumento también ha sido recogido en el ballet.
El primer antecedente corresponde a una pieza de Marius Petipa que quedó en el olvido y de la que existen escasas referencias.
En octubre de 1897 se estrenó en Londres una versión de A. Bertrand, con música de George Jacobi, a la que siguió en 1903 la pieza de Lucía Cormani.
En 1949, Roland Petit recupera la historia junto a Les Ballets de París.
Con posterioridad, surgen varias adaptaciones. Entre ellas, las de John Cranko, Mats Ek y John Neumeier.
A ello se añade la producción cinematográfica realizada por Antonio Gades y Carlos Saura.
Marcia Haydée interpretó el rol en la versión de Cranko y en 2004 creó una nueva propuesta escénica junto al Ballet de Santiago, donde Marcela Goicochea y Luis Ortigoza asumieron los roles centrales,[1] junto a un numeroso cuerpo de baile.
Su montaje divide la historia en dos actos y seis escenas usando la partitura de la ópera de Bizet, además de extractos de “Pescadores de perlas”. También incorpora escenas tomadas de la película de Vicente Aranda.
El vestuario y la escenografía fueron desarrollados por Pablo Núñez, quien trabajó con la idea de una plaza de toros y empleó colores expresivos inspirado en la tauromaquia.
La adaptación muestra al personaje como una gitana que burla las leyes de la ley y las del amor, como señalara Haydée en su momento: “Es una mujer muy calculadora, que de verdad no ama a nadie. Sólo a sí misma. Es una gitana salvaje que sabe que tiene un poder enorme sobre los hombres y, como buena gitana, también sabe que va a morir pronto. Es una mujer muy activa y fuerte que manipula todo. Es un animal salvaje”.
CARTELERA
“Carmen” ofrecerá funciones en el Teatro Municipal a las
Existe un convenio con
